Алина 2018-06-17 14:05:00 биографии художников
Рене Магритт родился в Бельгии в 1898 году. После учебы в художественной школе в Брюсселе, работал в коммерческой рекламе, чтобы прокормить себя в то время как он экспериментировал с живописью. В середине 1920-х годов начал писать в стиле сюрреализма и стал известен благодаря своим остроумным и наводящим на размышления изображениям применяя простую графику и рисуя предметы быта, придавая новые смыслы привычным вещам. Со временем, с ростом популярности, Магритт мог позволить себе рисовать весь рабочий день и был отмечен на нескольких международных выставках. Он экспериментировал с различными стилями и формами на протяжении всей жизни и оказывал основное влияние на движение поп-арта. Он умер в 1967 году.
Рене Франсуа Гислен Магритт родился в Лессин, Бельгия, 21 ноября 1898 года и был самым старшим из трех мальчиков. Производственный бизнес отца порой позволял семье жить в относительном комфорте, но финансовые трудности были постоянной угрозой и заставляли их регулярно перемещаться по стране. В 1912 году, юном возрасте, миру Магритта был нанесен разрушительный удар , когда его мать покончила жизнь самоубийством, утонув в реке.
Магритт нашел утешение от трагедии в кино, романах и особенно в живописи. Его ранние сохранившиеся произведения этой эпохи были выполнены в стиле импрессионизма. Однако в 1916 году переехал в Брюссель, где в течение следующих двух лет он учился в Королевской Академии изящных искусств. Хотя он был в конечном счете не впечатлен этим учреждением, он тем не менее был подвержен появлению новых стилей, таких как кубизм и футуризм, что значительно изменило направление его работы. Действительно, многие из картин Магритта с начала 1920-х годов были похожи на картины Пабло Пикассо.
В 1921 году Магритт отбыл год срочной службы, прежде чем вернуться домой и жениться на Жоржетт Бергер, которую знал с детства, и с ней он останется до конца жизни. После короткого пребывания на фабрике обоев он нашел работу как внештатный дизайнер рекламных плакатов. Примерно в это же время Магритт увидел картину «Песнь любви» итальянского сюрреалиста Джорджио де Кирико и был настолько поражен ее образами, что стал работать в новом направлении, в котором станет известен.
Размещая знакомые, обыденные предметы, такие как шляпы-котелки, трубки и камни в необычных контекстах и сопоставлениях, Магритт вызывал образы мистики и безумия, чтобы бросить вызов предположениям человеческого восприятия. С ранних работ, таких как "Потерянный жокей" и "Запуганный убийца" Магритт быстро стал одним из самых важных художников в Бельгии и оказался в центре зарождающегося сюрреализма. Но когда в 1927 году его первая персональная выставка в галерее отеля Galerie le Centaure была плохо встречена, расстроившийся Магритт покинул родину и уехал во Францию.
Поселившись в Перре-сюр-Марн пригороде Парижа, Магритт быстро попал в список самых ярких отцов-основателей и огней сюрреализма, включая писателей Андре Бретона, поэта Поля Элюара и художников Сальвадора Дали, Макса Эрнстома и Хоанома Миро. В течение следующих нескольких лет он создал важные работы, такие как «Влюбленные» и «Ложное зеркало», а также начал экспериментировать с использованием текста, как видно из его картины «Предательство изображений» в 1929 году.
Но, несмотря на прогресс Магритта в искусстве, финансового успеха не было, и в 1930 году он и Жоржет вернулись в Брюссель, где он создал рекламное агентство вместе со своим младшим братом Павлом. Хотя работа в студии оставляли Магритту немного времени для его собственной работы в течение следующих нескольких лет, интерес к его картинам начал расти, и вскоре он продавал достаточно, чтобы оставить свою коммерческую работу
В конце 1930-х годов популярность Магритта привели к выставкам его работ в Нью-Йорке и Лондоне. Но начало Второй Мировой Войны изменило ход его жизни и искусства. Его решение остаться в Бельгии во время нацистской оккупации вызвало раскол между ним и Андре Бретоном, а страдания и насилие, вызванные войной, уводят его от часто темных и хаотических настроений сюрреализма. «Против широко распространенного пессимизма, - сказал он, - я предлагаю искать радость и удовольствие». Работы этого периода, такие как «Возвращение пламени» и «Очистка», демонстрируют этот сдвиг с их более яркими палитрами и более импрессионистской техникой.
После войны Магритт завершил свой разрыв ветвью сюрреализма Бретона, когда он и несколько других художников подписали манифест под названием “сюрреализм в полном солнечном свете.” Период экспериментов, в ходе которых Магрит создал яркие и провокационные картины прежде чем он вернулся к своему более знакомому стилю, включая переиздание 1948 года «Потерянного жокея», написанного в том же году, что и его первая выставка в Париже.
С приходом 1950-х годов Магритт пользовался постоянным международным интересом к своей работе и продолжал плодотворно трудится. В 1951 году ему было поручено написать цикл фресок в казино в Knocke-le-Zoute, городке на бельгийском побережье. Завершенные в 1953 году и под названием "Зачарованная территория", они были празднованием некоторых из его самых известных изображений. Последовали другие заказы по всей Бельгии, а также крупные выставки его работ в Брюсселе и Галерее Сидни Яниса в Нью-Йорке. Некоторые из его самых важных работ этого периода включают в себя картины "Голконда" и "Стеклянный ключ". Он также представил в своем творчестве портрет человека с яблоком, наиболее узнаваемый в 1964 году как «Сын Человеческий».
Несмотря на то, что в 1963 году был диагностирован рак поджелудочной железы, Магритт в 1965 году смог отправиться в Нью-Йорк на ретроспективу своих работ в Музее современного искусства. Магритт работал и в других медиа в течение этого времени, делая серию короткометражных фильмов, в которых показал свою жену, Жоржету, а также экспериментировал со скульптурой. После периода продолжительной болезни, 15 августа 1967 года, Рене Магритт умер в возрасте 68 лет. Его работы оказали основное влияние на художников поп-арта, таких как Энди Уорхол и с тех пор отмечаются на многочисленных выставках по всему миру. Музей Магритта открылся в Брюсселе в 2009 году.
Алина 2018-06-16 14:05:00 биографии художников
Лили Эльбе родился Эйнаром Вегенером в городе Вайле, в Дании в 1882 году и в подростковом возрасте переехал в Копенгаген, чтобы изучать искусство в Королевской датской Академии изобразительных искусств. После женитьбы на Герде Готлиб, Эльба осознала свою истинную гендерную идентичность и стала жить своей жизнью как женщина. После прохождения четырех рискованных хирургических операций, чтобы превратить свое тело из мужского в женское, Эльбе умерла от послеоперационных осложнений в Дрездене, Германия, она также стеснялась своего 49-ти летия. История ее жизни была описана в двух книгах, "Мужчина в женщину", и международный бестселлер "Датская девушка", по мотивам этой книги в 2015 году был снят фильм с одноименным названием с Эдди Редмэйн в главной роли.
Родился 28 декабря 1882 года в небольшом фиорде городе Вайле, Дания, Эйнар Могенс Вегенер был не по годам художественным мальчиком. Будучи подростком, он отправился в Копенгаген, чтобы изучать искусство в Королевской датской Академии изящных искусств. Там, Эйнар в 1904 году встретил Герду Готлиб и они полюбили друг друга и поженились. Два художники с удовольствием рисовали вместе. В то время как Эйнар специализируется на пейзажной живописи, Герда была успешным книжным и журнальным фэшн-иллюстратором. На самом деле Герда даже попросила Эйнара позировать в качестве модели и надевать женскую одежду для своих портретов в стиле арт-деко женщин высокой моды.
На портретах Герды Эйнар превращается в прекрасную женщину, которую она знал и всегда хотел ею быть. Благодаря этим событиям, Эйнар начал представлять себе жизнь как женщина. После путешествия по Италии и Франции, супруги в конце концов обосновались в Париже в 1912 году и Эйнар стал публично и открыто жить как женщина по имени Лили в течение последних двух десятилетий своей жизни. Она выбрала фамилию “Эльба” в честь реки в Центральной Европе, которая течет через Дрезден, местоположение последней ее операции по смене пола.
В 1920-е годы, Эльба узнал о возможности навсегда превратить свое тело из мужского в женское в Немецком институте сексологии в Берлине. Доктор Магнус Хиршфельд основал клинику в 1919 году и ввел термин “транссексуализм” в 1923 году (хотя некоторые доклады указывают на то, что Эльбе была проведена самая первая операция по смене пола хирургическим путем). Там она прошла первую из четырех операций в 1930 году, операцию по хирургической кастрации. Следующие три операции были проведены в 1930 году и 1931 году Курт Варнекросом в Дрезденской городской женской клинике и включали пенэктомию, трансплантацию ткани яичника человека (некоторые сообщения указывают, что Эльба уже имела зачаточные яичники в ее животе и, возможно, была интерсексуальной ) и последующую неуточненную операцию через несколько недель, которая включала введение канюли. Эти операции позволили ей юридически изменить свое имя и свой пол, и также получить паспорт, как Лили Эльбе (женщина).
Эльба описала свое изменение как возрождение женщины, которой она всегда была. Теперь она смогла жить своей жизнью, как Лили, однако, так как теперь она была юридически признана женщиной, Король Дании вынес решение о том, что ее брак с Гердой был недействительным в 1930 году. Супруги разошлись полюбовно. Еще одна дверь открылась, когда старый друг просит Лили вступить в брак. Эльба была в восторге, после заключительной операции, которая включала трансплантацию матки и строительство искусственного влагалища она надеялась, что эта процедура позволит ей совершить половой акт со своим женихом и в конце концов стать матерью. Но эта мечта никогда не осуществится. Эльба умерла от паралича сердца вскоре после того, как в женской клинике в Дрездене ей сделали последнюю операцию в 1931 году, незадолго до ее 49-го дня рождения.
История Эльбы была опубликована после ее смерти Эрнстом Людвигом Хартхерном-Якобсоном (под псевдонимом Нильс Хойер), который составил эту историю жизни из своих личных дневников в соответствии с ее последней волей. Книга, "Мужчиау в женщину" была впервые опубликована в 1933 году в Дании немецким и английским изданиями (включая переиздания на английском языке в 1953 и 2004 гг.). "Мужчина в женщину" было одним из первых широко доступных изданий о жизни трансгендера и из-за этого, вдохновляющим. На самом деле, Ян Моррис (который записал свой собственный гендерный переход и операцию по переназначению пола в книге «Загадка» в 1975 году) отмечает, что была вдохновлена, провести операцию по собственному переходу пола после прочтения рассказа Эльбы. Жизнь Эльбы вдохновила Дэвида Эбершоффа на создание международного романа бестселлера "Датская девочка" (2000 г.), и полноформатного художественного фильм с таким же названием (2015 г.) с Эдди Редмайном в главной роли.
Алина 2018-06-15 14:05:00 биографии художников
Джон Сингер Сарджент родился в 1856 году во Флоренции, Италия. Он получил раннее признание, как портретист, хотя его рисунки вызывали резкие отзывы на выставке Мадам Х в Парижском салоне в 1884 году. Он добился положительной репутации к концу десятилетия, и к началу 20-го века посвящал больше времени пейзажам и акварелям. Сарджент скончался в 1925 году в Лондоне, Англия.
Художник Джон Сингер Сарджент родился 12 января 1856 года, в семье американцев, живущих во Флоренции, Италия. Хотя он провел большую часть своей жизни в Европе, оба его родителя были воспитаны в Соединенных Штатах, и художник считал себя американцем. Его отец, Фицвиллиам Сарджент, был врачом из ранней колониальной семьи и вырос в Филадельфии. Его мать, Мэри Ньюболд Сингер, вышла замуж за Фитцвиллиама Сарджента в 1850 году. Хотя пара была влюблена в Европу, они изначально прибыли туда из-за трагических обстоятельств, совершая экскурсию как средство побега после трагической смерти своего первого ребенка. Первоначально Сарджент планировал вернуться в Соединенные Штаты, но вместо этого стал экспатриантом.
Джон Сингер Сарджент начал демонстрировать свои художественные таланты в молодом возрасте и вскоре занялся изучением живописи в формальной обстановке. Его первая известная регистрация в художественных классах состоялась во Флоренции в Академии Делле Белл Арти, в его позднем подростковом возрасте. Зимой 1873-74 гг. Сарджент оттачивал свои навыки, убеждая отца, что это стоит того, чтобы поощрять его художественные занятия. Отец и сын отправились вместе в Париж весной 1874 года, чтобы Джон Сингер Сарджент мог продолжить учебу в столице Европы.
В то время в Париже Сарджент учился у относительно молодого учителя по имени Каролус-Дуран, который учил своих учеников освободиться от жесткости стиля старых мастеров. Каролус-Дюран советовал,не делать подробные эскизы, а направлять кисть прямо на холст. Сарджент усвоил эти методы, его более поздние работы будут признаны за их непосредственность, эмоциональную глубину и изысканную технику.
В мае 1876 года, Сарджент совершил свою первую поездку в Соединенные Штаты, в сопровождении своей матери и сестры, Эмили. Семья посетила Филадельфию, водопад Ниагару и другие места. Подобно своей матери, Сарджент обнаружил, что его сильно тянет к путешествиям. По возвращении в Европу, он продолжил путешествовать, используя эту возможность для изучения великих произведений искусства и изображая различные места. В Испании Сарджент восхищался и копировал произведения Диего Веласкеса, Венеция поразила его своими живописными каналами, к которым он возвращался много раз. Сцены путешествий станут основными элементами его работы.
Вернувшись в Париж, Сарджент представил портрет своего учителя, Каролюс-Дюрана, в Салоне 1879 года. Эта работа принесла ему заслуженный почет, и его репутации как портретиста был дан толчок. Между 1877 и 1882 годами Сарджент подарил в Салон множество картин, хотя его портреты, как правило, привлекали наибольшее внимание.
Репутация Сарджента ухудшилась с выставки "Мадам X" в Салоне 1884 года. Потому что она не соответствовала многим принятым стандартам в то время, это было слегка рискованным изображать женщину в платье с низким вырезом, почти без рукавов, и многие его поклонники обратились против него. Мать женщины, сидящей на портрете, мадам Гаутро (которая была на самом деле американкой) даже попросила Сарджента снять этот портрет. Сегодня "Мадам Х" считается одной из его самых знаменитых работ.
Вместо того, чтобы оставаться в городе, в котором общественное мнение повернулось против него, Сарджент покинул Париж и начал проводить большую часть своего времени в Англии, которая стала его постоянным домом в 1886 году. Страна не совсем приняла Сарджента, англичане не хотели быть изображенными на его портретах из-за скандала с "Мадам X", не желая, что бы с их собственными портретами случилось то же, они отказываются от заказов.
Сарджент не был обескуражен. Съездив пару раз в США в 1887 и 1890 годах, он обнаружил, что американцы не против быть изображенными на портретах, и многие члены американского высшего общества делали заказы. Он часто писал своих моделей, как будто они были пойманы в середине движения, причем лица были очень индивидуализированы и выразительны.
Переломным моментом для карьеры Сарджента в Англии стал в то время, когда он показал свою «Гвоздика, лилия, лилия, роза» (нарисованую 1885-86 гг.) в Лондонской королевской академии. Это произведение, бесспорно, один из шедевров Сарджента, включенное в Викторианские темы и вдохновлённое импрессионизмом, на нем изображены две девушки, освещенные фонарями среди весенних цветов. Англичане признали величие картины, и члены элиты начали выстраваться в очередь, что бы заказать свои собственные образы.
"Гвоздика, Лилия, Лилия, Роза" важный пример влияния импрессионизма на стиль Сарджента. Он познакомился и учился у Клода Моне и Эдгара Дега, мастеров движения. Сарджент, как и Моне, был особенно очарован светом и стал мастерски изображать его. Однако, в отличие от работ французских художников, картины Сарджента оставались довольно буквальными, сохраняя четкость форм и не полностью растворяясь в красках.
Хотя его портреты были высоко оценены, Сардженту в конце концов надоело рисовать их — они забирали большое количество времени, и казалось что нет конца его новым заказам. Сарджент отказался от портретирования между 1907 и 1910 годами, чтобы сосредоточиться на других проектах, в частности на росписях для Бостонской публичной библиотеки. Он все чаще обращал свое внимание на акварель и примерно в это же время получил хорошую репутацию за свою работу в этом направлении.
Приход мировой войны сменил темы Сарджента на некоторое время. Поехав на Западный фронт по просьбе британского правительства, которое попросило его нарисовать сцены, посвященные войне, Сарджент создал Гассида, свою темную работу, в которой изображены солдаты, терпящие ужасные условия жизни на Великой войне.
Сардженту также было поручено создать фрески в Музее изящных искусств в Бостоне. Его произведение охватывает большую музейную лестницу и ротонду. Большое количество его работ можно увидеть в библиотеке Гарвардского университета Вайденера — дань памяти тем, кто погиб в Первой мировой войне.
Сарджент скончался во сне в ночь на 14 апреля 1925 года, в возрасте 69 лет. Он оставил после себя огромное количество произведений, включая портреты, сцены путешествий, акварели и импрессионистские шедевры, которые определили его репутацию в текущем веке. Его работы до сих пор выставляются по всему миру. Хотя художник и его портретные натурщики все ушли, его выдающееся мастерство дало будущим поколениям возможность заглянуть в жизнь и характеры людей давнего прошлого, что стало драгоценным даром для будущих поколений.
Алина 2018-06-14 14:05:00 биографии художников
Родившийся в Швейцарии в 1901 году, Альберто Джакометти получил свое раннее образование в области искусства от членов семьи, прежде чем продолжить образование в Женеве и Париже. В 1920-х годах он начал разрабатывать свой собственный стиль, создавая абстрактные скульптуры, которые оказали влияние на Кубизм и искусство в целом. В 1930-е годы он стал частью сюрреалистического движения, его работы стали более сказочными по своей природе, но позже отделился от группы сюрреалистов, чтобы сосредоточился на новых способах выражения человеческой формы.Под влиянием экзистенциализма его маленькие, тонкие фигуративные скульптуры резонировали с атмосферой страдания, которая последовала за Второй мировой войной, и вскоре эти работы были очень востребованы. Творчество Джакометти продолжало развиваться в 1950-х и 1960-х годах, была выпущена обширная серия портретов и иллюстраций для многочисленных книг. После получения нескольких наград, званий и ретроспективных выставок, и достижения мировой известности, Джакометти умер в 1966 году.
Альберто Джакометти родился 10 октября 1901 года в небольшом горном поселке Боргоново, Швейцария, недалеко от итальяно-швейцарской границы. Его отец, Джованни, был опытным художником, который работал в пост-импрессионистском стиле, оба его крестных отца и дядя тоже были художниками, и все они помогали Джакометти делать его первые ходожественные шаги. Когда его семья переехала в соседний город Стампа в 1906 году, Джакометти уже проявлял интерес к рисованию, и в подростковом возрасте начал писать картины, ваять скульптуры изготавливать деревянные гравюры.
В 1919 году Джакометти переехал в Женеву, где учился в школе изящных искусств и в школе искусств и ремесел. Однако, возможно, более важным для его развития как художника были поездки в Италию на протяжении следующих двух лет. В 1920 году он сопровождал своего отца на Венецианскую бьеннале, где были включены картины отца, а Джакометти впервые встретил работы абстрактного скульптора Александра Архипенко, а в 1921 году посетил Рим, Флоренцию, прилегающие районы и увлекся африканским египетским искусством.
В 1922 году Джакометти поселился в Париже, следующих четыре года изучал скульптуру в Академии де ла Гранд-Шомьер. В то же время, попал под влияние Кубистов, таких как Джоан Миро и Пабло Пикассо, воспитывал свою любовь к первобытному искусству, влияние обоих начали проявляться в творчестве, когда его представления о человеческом теле становились все более абстрагируемыми. Когда он закончил учебу, Джакометти решил полностью отказаться от реализма, убеждаясь в его неадекватности. Два его самых важных и репрезентативных произведения из этого периода: «Женщина ложечка и пара» были выставлены в Салоне Тюильри в 1927 году.
В начале 1930-х годов, развивающийся стиль Джакометти вызвал симпатию у самых важных фигур движения Сюрреалистов, таких как Андре Бретоном, Мэн Рей и Жорж Батай. Их влияние на его работы можно увидеть в сказочных, метафорических произведениях, таких, как "Подвешенный мяч" (1931 г.), "Ходьба женщины" (1932 г.) и "Дворец в 4 утра" (1932 г.). Эти и подобные скульптуры послужили толчком к его первой персональной выставке в Париже (1932 г.) и Нью-Йорке (1934 г.).
Несмотря на растущую известность Джакометти, как члена Сюрреалистического движения, его личное расследование сущности бытия в конечном итоге приведет его дальше от группы сюрреалистов, и во второй половине десятилетия он сосредоточил свои усилия на главных скульптурах, призванных выражать свои физические связи модели с пространством.
С началом Второй Мировой Войны и наступлением немецкой армии во Францию, в 1941 году Джакометти был вынужден покинуть Париж и вернуться в Швейцарию, где он будет работать до конца войны. За это время его искусство займет новое направление, а его скульптуры человека станут удлиненными и тонкими и все более маленькими по размеру, придавая фигурам атмосферу одиночества и страдания. Вернувшись в Париж Джакометти, обнаружил, что мучительное присутствие таких произведений, как «Человек-указатель» (1947 г.) и «Городская площадь» (1948 г.), - в соответствии с его пониманием возникших в то время экзистенциалистских философий, - ударили аккордом по преобладающим послевоенным чувствам отчаяния и одиночества. Сейчас эти работы высоко ценятся как музеями так и коллекционерами. Они были представлены на персональной выставке в Нью-Йорке в 1948 и 1950 годах, в одной из которых включен вводный текст Жан-Поля-Сартра, который описал творчество Джакометти как “всегда на полпути между небытием и бытием.”
В 1950-е годы, работы Джакометти продолжают развиваться, его скульптуры становятся все больше, тоньше и сложнее. Он также совершил серию темных, насыщенных портретов членов семьи—в первую очередь его жены, Аннет (на которой он женился в 1949 году), и его брата Диего и известных друзей, таких как Жан Женет, Анри Матисс и Игорь Стравинский. К концу десятилетия начался длительный период работы над иллюстрациями к книгам современных авторов, таких как Поль Элюар и почитаемых писателей прошлого, как Сервантес и Бальзак.
Всемирно известный в начале 1960-х годов Сэмюэль Беккет, заказал Джакометти создать скульптуру, для произведения «Ожидания Годо», и в 1962 году скульптор был удостоен Гран-при за это произведение на Венецианской Бьеннале. На фоне ухудшающегося здоровья, в 1964 году, получил международную премию Гуггенхайма за живопись, за этим последовали ретроспективы его работ в галерее Тейт в Лондоне и в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Альберто Джакометти умер от сердечного истощения 11 января 1966 года, в городе Чур, Швейцария, похоронен на кладбище Borgnovo.
Алина 2018-06-13 14:05:00 биографии художников
Марк шагал родился в Беларуси в 1887 году и развил ранний интерес к искусству. После изучения живописи, в 1907 году он уехал из России в Париж, где поселился в колонии художников на окраине города. Своими личными, сказочными образами с намеками на фовизм и кубизм, популярный во Франции в то время, Шагал создал свою продолжительную работу, в том числе "Я и деревня" (1911г.), некоторые из которых будут представлены на выставках Salon des Indépendants (Салона Независимых Выставок).Он вернулся в Витебск в 1914 году, начало Первой мировой войны захватило Шагала в России. Он вернулся во Францию в 1923 году, но был вынужден бежать из страны от нацистских преследований во время Второй мировой войны. Найдя убежище в США, Шагал стал заниматься дизайном костюмов, а во Францию вернулся в 1948 году. В более поздние годы, он экспериментировал с новыми формами искусства и ему было поручено создать многочисленные крупномасштабные работы. Шагал умер в Сент-Поль-де-Ванс в 1985 году.
Марк шагал родился в небольшой Хасидской общине на окраине Витебска в Белоруссии, 7 июля 1887 года. Его отец был торговцем рыбой, а его мать содержала небольшой магазин в селе. В детстве Шагал посещал еврейскую начальную школу, где он изучал иврит и Библию, позже он учился в Российской государственной школе. В это время и начал он изучать основы рисования, но, возможно что более важно, Шагал впитал в себя окружающий его мир, хранил образы и темы, которые будут проявляться в значительной мере в большинстве его поздних работ.
В возрасте 19 лет Шагал поступил в частное, еврейское художественное училище и начал свое формальное образование в живописи, изучая рисование портрета у художника Иегуды Пен. Однако через несколько месяцев он покинул школу, переехав в Петербург в 1907 году, чтобы учиться в Императорском обществе защиты изобразительных искусств. В следующем году он поступил в Швановскую школу, где учился у декоратора Леона Бакста, работа которого была представлена в «Русских балетах Сергея Дягилева». Этот ранний опыт оказался важным для будущей карьеры Шагала.
Несмотря на это формальное обучение, и широкую популярность реализма в России в то время, Шагал уже установил свой собственный стиль, более сказочный и нереальный, люди, места и образы, которые были близки к его сердцу. Некоторые примеры из этого периода - «Окно Витебска» (1908 г.) и «My Fianceé with Black Gloves (1909 г.), на ней изображена Белла Розенфельд, скоторой он недавно был помолвлен.
Шагал в 1911 году получил пособие от члена российского парламента и покровителя искусств Максима Бинавера что позволило ему переехать в Париж, несмотря на его романтические отношения с Беллой. Поселившись ненадолго в парижском районе, Шагал переехал поближе к художественной колонии, известной как Ля Рюш (“улей”), где он начал работать бок о бок с такими художниками, как Амедео Модильяни и Фернана Леже, а также авангардным поэтом Гийом Аполлинером. По их настоянию и под влиянием бешеной популярности фовизма и кубизма, Шагал еще больше отодвинул свой стиль от реальности." Я и деревня" (1911 г.) и "Посвящение Аполлинеру" (1912 г.) среди его ранних парижских работ, которые считаются самыми успешным и представительными.
Хотя его работаы стилистически стояли отдельно от кубизма современников, с 1912 по 1914 Шагал выставлял несколько картин в рамках ежегодного Салона независимых выставок, на котором работы Хуана Гриса, Марселя Дюшана и Робера Делоне вызывали переполох в парижском мире искусства. Популярность Шагала стала распространяться за пределы Ля-Рюш, и в мае 1914 года он отправился в Берлин, чтобы помочь организовать свою первую персональную выставку в галерее Der Sturm. Шагал оставался в городе, пока в июне этого года не открылась широко известная выставка. Затем он вернулся в Витебск, не подозревая о роковых событиях.
В августе 1914 года вспышка Первой мировой войны не позволила реализоваться планам Шагала о возвращении в Париж. Конфликт мало повлиял на его творчество, он наоборот дал ему прямой доступ к детским воспоминаниям, столь важным для его работы, как это видно из картин, таких как «Еврей в зеленом» (1914 г.) и «Над Витебском» (1914 г.). Его картины с этого периода также иногда изображали последствия войны , как с "Раненый солдат" (1914 г.) и "Поход" (1915 г.). Но несмотря на тяготы жизни в военное время, это время было радостным для Шагала. В июле 1915 года он женился на Белле, и она родила дочь, Иду, в следующем году. Их появление в работах, таких как "День Рождения" (1915 г.), "Белла и Ида у окна" (1917 г.) и некоторые из его картин «Влюбленные», дают представление о острове внутреннего блаженства и семейного счастья, которое было у Шагала во время хаоса.
Чтобы избежать военной службы и остаться со своей новой семьей, Шагал занял должность секретаря в Министерстве военной экономики в Санкт-Петербурге. В это время он начал работу над своей автобиографией, погрузился в местную арт-сцену, сдружился с писателем Борисом Пастернаком. Он также выставлял свои работы в городе и вскоре получил широкое признание. Эта известность оказалась полезна после революции 1917 года, он был назначен комиссаром изящных искусств в Витебске. В своей новой должности, шагал предпринял различные проекты в регионе, в том числе в 1919 году основал Академию художеств. Несмотря на его старания, распри между коллегами в конечном итоге разочаровали Шагала. В 1920 году он оставил свой пост и переехал с семьей в Москву, пост-революционную столицу России.
В Москве, Шагалу вскоре было поручено создать декорации и костюмы для различных постановок в Московском государственном еврейском театре, где он будет рисовать серию фресок под названием «Введение в еврейский театр». В 1921 году Шагал нашел работу учителем в школе для детей-сирот. К 1922 году, однако, шагал обнаружил, что его искусство впало в немилость, и изыскивая новые горизонты, навсегда покинул Россию.
После краткого пребывания в Берлине, где он безуспешно пытался вернуть работу, выставленную в Der Sturm до войны, шагал переехал с семьей в Париж в сентябре 1923 года. Вскоре после своего прибытия, получил заказ арт-дилера и издателья Амбруаза Воллар, для создания серии гравюр для нового издания 1842 романа Н. В. Гоголя "Мертвые души". Два года спустя Шагал начал работу над иллюстрированным изданем басен Жана де Лафонтена, а в 1930 году создал гравюры иллюстрировавшие издание Ветхого Завета, ради которого он отправился в Палестину для проведения творческих исследований.
Работы Шагала в этот период, принесли новый успех как художнику, что позволило ему путешествовать по всей Европе в 1930-е годы. Он также опубликовал свою автобиографию "Моя жизнь" (1931 г.), а в 1933 году получил ретроспективу в Кунстхалле в Базеле, Швейцария. Но в это же время, когда распространялась популярность Шагала, так же распространялась угроза фашизма и нацизма. Во время культурной "чистки", предпринятой нацистами Германии, работы Шагала было приказано убрать из музеев по всей стране. Впоследствии несколько штук были сожжены, а другие были представлены на выставке 1937 года “дегенеративное искусство”, состоявшейся в Мюнхене. Ощущение Шагала в отношении этих тревожных событий и преследований евреев в целом можно увидеть в его картине «Белое распятие» в 1938 году.
С возникновением Второй Мировой Войны Шагал с семьей переехал в регион Луары, прежде чем отправится дальше на юг, в Марсель. После вторжения фашистов во Францию, они нашли более надежное убежище, 1941 году имя Шагала было добавлено директором Музея современного искусства (MOMA) в Нью-Йорке в список художников и интеллектуалов, считающихся наиболее подверженными риску от антиеврейской кампании нацистов, Шагал и его семья были в числе более 2000 человек, которые получили визы в Америку.
Прилетев в Нью-Йорк в июне 1941 года Шагал обнаружил, что он был уже известным художником и, несмотря на языковой барьер, вскоре стал частью изгнанного Европейского сообщества художников. В следующем году получил заказ от хореографа Леонида Массина для создания декораций и костюмов для балета Алеко по мотивам «Цыгана» Александра Пушкина на музыку Петра Ильича Чайковского.
Но даже поселившись в безопасности его временного дома, мысленно Шагал страдал из-за судьбы евреев Европы и разрушения России, что показывают картины, такие как «Желтое распятие» (1943 г.) и «Жонглер» (1943 г.). Личный удар постиг Шагала в сентябре 1944 года, когда его возлюбленная Белла умерла от вирусной инфекции, оставив художника недееспособным от горя. Его печаль по поводу гибели жены будет преследовать Шагала долгие годы, наиболее остро это проявилось в картине 1945 года "Вокруг нее и венчальные свечи".
Работая через боль, в 1945 году Шагал создал дизайн и костюмы к постановке балета Игоря Стравинского "Жар-птица", премьера которого состоялась в 1949 году, продолжалась до 1965 года и была поставлена много раз после. Познакомившись с молодой английской художницй по имени Вирджиния Макнейл, он немного оттаял, а в 1946 году она родила ему сына, Дэвида. Примерно в это время Шагал был предметом ретроспективных выставок в музее современного искусства в MOMA и Художественном институте Чикаго.
Спустя семь лет в изгнании, в 1948 году Шагал вернулся во Францию с Вирджинией и Дэвидом, а также с дочерью Вирджинии от предыдущего брака, Джин. Их прибытие совпало с публикацией издания "Мертвых душ" иллюстрированных Шагалом. Издание «Басни» с его работой было опубликовано в 1952 году, и после того, как Шагал завершил гравюры, которые он начал в 1930 году, его иллюстрированная библия была опубликована в 1956 году. .
В 1950-х годах шагал с семьей переехал на юг в Сен-Поль-де-Ванс во французской Ривьере. Вирджиния оставила его в следующем году, а в 1952 году Шагал встретил Валентину (Вава) Бродскую и вскоре женился на ней. Валентина, которая стала бессменным менеджером Шагала, представлена в нескольких из его более поздних портретов.
Устроившись в жизни как устоявшийся художник, Шагал начал разветвляться, работать в скульптуре и керамике, а также осваивать искусство витражей. Большая часть его важных поздних работ существует в виде крупномасштабных заказов по всему миру. Среди основных моментов этого периода - его витражи для синагоги в Медицинском центре Еврейского университета им. Хадасса в Иерусалиме (завершен в 1961 году), Сен-Этьенский собор в Меце (завершен в 1968 году), здание ООН в Нью-Йорке (завершено в 1964 году) ) и Церковь Всех Святых в Майнце, Германия (закончена 1978 г.), потолок Парижской Оперы (завершен в 1964 году), панно для Нью-Йоркской Метрополитен-Опера (завершено в 1964 году), для них он также создал декорации и костюмы к постановке 1967 Вольфганга Амадея Моцарта "Волшебная флейта".
В 1977 году Шагал получил медаль Почетного легиона, это высшая награда Франции. В том же году он стал одним из немногих художников в истории получивших право на ретроспективную выставку в Лувре. Он скончался 28 марта 1985 года в Сен-Поль-де-Ванс в возрасте 97 лет, оставив после себя огромное количество работ наряду с богатым наследием знаменитого еврейского художника и пионера модернизма.
.
Алина 2018-06-12 14:05:00 биографии художников
Родился 6 августа 1928 года в Питтсбурге, штат Пенсильвания, Энди Уорхол успешный журналист и рекламный иллюстратор, который стал ведущим художником 1960-х годов Поп-арт движения. Он работал с большим разнообразием форм искусства, включая исполнительское искусство, кино, видео-инсталляции и записи, и размыл границы между изобразительным искусством и господствующей эстетикой. Уорхол умер 22 февраля 1987 года в Нью-Йорке.
В последние годы своей жизни Уорхол страдал от хронических проблем с желчным пузырем. 20 февраля 1987 года, он попал в Нью-Йоркскую больницу, где ему успешно удалили желчный пузырь, и он, начал восстанавливаться. Однако, спустя несколько дней осложнения привели к внезапной остановке сердца и он умер 22 февраля 1987 года, в возрасте 58 лет. Тысячи людей посетили Мемориал для художника в Соборе Святого Патрика в Нью-Йорке.
После окончания колледжа, он получил степень бакалавра изобразительных искусств в 1949 году, и переехал в Нью-Йорк чтобы продолжить карьеру в качестве художника. В это время он удалил "а" в конце своей фамилии, чтобы стать Энди Уорхолом. Он устроился на работу в журнал Glamour в сентябре, и стал одним из самых успешных коммерческих художников 1950-х годов. Он часто выигрывал награды за свой неповторимый причудливый стиль, используя собственную технологию штриховки и резиновые штампы для создания своих рисунков.
Суп-банки КэмпбеллаВ конце 1950-х, Уорхол стал уделять больше внимания живописи, и в 1961 году он дебютировал понятие "поп-арт" — картины, которые ориентированы на массовое производство коммерческих товаров. В 1962 году он выставил культовые картины банок супа campbell's. Эти небольшие холсты повседневных потребительских товаров создали серьезное волнение в мире искусства, в результате чего и Уорхол, и поп-арт стали национальным центром внимания в первый раз.
Британский художник Ричард Гамильтон назвал поп-арт «популярным, преходящим, недорогим, недорогим, массовым, молодым, остроумным, сексуальным, трюком, гламурным, крупным бизнесом». Как сказал сам Уорхол: «Как только у вас появится «поп», вы больше никогда не увидите символ таким же. И как только вы подумали «поп», вы не сможете снова увидеть Америку такой же».
На других известных поп картинах Уорхола изображены бутылки Кока-Кола, пылесосы и гамбургеры.
ПортретыОн также нарисовал портреты знаменитостей в ярких и кричащих цветах, самые известные его субъекты это Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Мик Джаггер и Мао Цзэдун. Как только эти портреты приобрели славу и известность, Уорхол стал получать сотни заказов для портретов от светских персон и знаменитостей. Его портрет "Восемь Элвисов" в итоге был перепродан в 2008 году за $100 миллионов, сделав его одним из самых ценных картин в мировой истории.
В 1964 году Уорхол открыл свою собственную художественную студию серебряной росписи известную просто как "завод". Завод быстро стал одной из главных культурных достопримечательностей города Нью-Йорка, местом пышных вечеринок, в которых приняли участие самые богатые люди и знаменитости города, в том числе музыкант Лу Рид, который отдал дань уважения дельцам и трансвеститам, которых он приветсвовал на Заводе своим хитом «Walk on the Wild Side» - содержащего описания людей, которые были звездами на легендарной студии / заводе в 60-х годах, включая Холли Вудлауна, Candy Darling, «Little Joe» Dallesandro, «Sugar Plum Fairy» Joe Кэмпбелл и Джеки Кертис.(Уорхол был другом Рида и управлял группой Рида, Velvet Underground.)
Уорхол, который явно наслаждался своей знаменитостью, стал звездой в печально известных ночных клубах Нью-Йорка, таких как Studio 54 и Max's Kansas City. Комментируя знаменитость — свою и публичную в целом — Уорхол заметил: "больше всего люди просто хотят звезд". Он также развивался в новых направлениях, издаал свою первую книгу "Индекс Энди Уорхола" в 1967 году.
Однако, в 1968 году, процветающая карьера Уорхола почти закончилась. 3 июня в него стреляла Валери Соланас, начинающая писательница и радикальная феминистка. Уорхол был тяжело ранен. Соланас появилась в одном из фильмов Уорхола и, как сообщается, была расстроена из-за его отказа использовать сценарий, который она написала. После стрельбы, Соланас была арестована и позже признала себя виновной в содеянном. Уорхол провел несколько недель в Нью-Йоркской больнице после ранения и перенес несколько последующих операций. В результате полученной травмы, он всю оставшуюся жизнь носил хирургический корсет.
В 1970-х Уорхол продолжал изучать другие формы медиа. Автор книг: Философия Энди Уорхола (от А к Б и обратно) и экспозиций. Уорхол также много экспериментировал с видео арт искусстве, сняв более чем 60 фильмов на протяжении своей карьеры. Некоторые из его самых известных фильмов включают "Сон", который изображает поэта Джона Джорно спящим в течение шести часов, и "Еда", в котором изображен человек, который ест грибы в течение 45 минут.
Уорхол также работал в области скульптуры и фотографии, а в 1980-х годах он перешел на телевидение, hosting Andy Warhol's TV и Andy Warhol's Fifteen Minutes on MTV.
Родился Энди Уорхол 6 августа 1928 года в округе Окленд в Питтсбурге, штат Пенсильвания, его родители были словацкие иммигранты. Его отец, Андрей Уорхола, был строителем, а мать, Юлия Уорхола, была швеей. Они были ревностными византийскими католиками, которые регулярно ходили на мессу, и сохранили большую часть своих словацких культурных обычаев и наследие, живя в одной из восточноевропейских этнических анклавов Питтсбурга.
В возрасте восьми лет, Уорхол заболел хореей — также известной, как Танец Святого Витта — редким и иногда смертельным заболеванием нервной системы, которая оставила его прикованным к постели в течение нескольких месяцев. Именно в эти месяцы, в то время как Уорхол был прикован к постели, его мать, сама искусный художник, дала ему первые уроки рисования. Вскоре рисование стало любимым занятием Уорхола в детстве.Он также был страстным поклонником фильмов, и когда его мать купила ему камеру в возрасте девяти лет, он тоже занялся фотографией, создавая фильм в импровизированной темной комнате, которую он оборудовал в своем подвале.
Уорхол учился в начальной школе Холмса и проводил бесплатные художественные занятия, предлагаемые в Институте Карнеги (ныне Музей искусств Карнеги) в Питтсбурге. В 1942 году, в возрасте 14 лет, Уорхол снова получил удар, когда его отец скончался от желтухи. Уорхол был так расстроен, что не мог присутствовать на похоронах своего отца, и прятался под кроватью. Отец Уорхола признавал художественный талант своего сына, и в своем завещании написал, что его сбережения пойдут на образование сына. В том же году Уорхол начал учебу в средней школе Шенли, и после окончания, в 1945 году, он поступил в институт технологии Карнеги (сейчас Университет Карнеги-Меллона) для изучения живописного дизайна.
Загадочная личная жизнь Уорхола был предметом долгих споров. Широко полагают, что он был геем, и в его искусстве часто переплетаются гомоэротические образы и мотивы. Тем не менее, он утверждал, что остался девственником на всю жизнь.
Жизнь и работа Уорхола одновременно сатирировали и отмечали материальность и знаменитость. С одной стороны, его картины искаженных новых образов и лиц знаменитостей могут рассматриваться как критика того, что культура зациклена на деньгах и знаменитостях. С другой стороны, ориентация Уорхола на потребительские товары и знаки поп-культуры, а также его собственная любовь к деньгам и славе, предполагают праздную жизнь самих аспектов американской культуры, которые его работа критиковала. Уорхол описывал это кажущееся противоречие между его жизнью и творчеством в своей книге "Философия Энди Уорхола", написав, что "создание денег это искусство и работа это тоже искусство, а хороший бизнес это лучшее искусство".
Алина 2018-06-11 14:05:00 биографии художников
Анри Матисс родился 31 декабря 1869 года в Ле-Като на севере Франции. За шесть лет карьеры он работал во всех медиа, от живописи и скульптуры до графики. Хотя его работы были традиционные—ню, фигуры в пейзаже, портрете, интерьере, внутренне выглядели — революционно. Матис использовал яркие цвета и преувеличенную форму, чтобы выразить эмоции, это сделало его одним из самых влиятельных художников 20-го века.
Анри Матисс родился 31 декабря 1869 года, и вырос в небольшом промышленном городе Bohain-АН-Vermandois на севере Франции. Его семья работала в зерновом бизнесе. Будучи молодым человеком, Матисс работал юридическим клерком, а затем изучал право в Париже, в 1887-89 гг.. Заняв должность в адвокатской конторе в городе Сен-Кантен, он начал брать уроки рисования по утрам перед уходом на работу. Когда ему был 21 год, Матисс начал рисовать восстанавливаясь после болезни, и в это же время его призвание художника подтвердилось.
В 1891 году Матисс переехал в Париж для художественного обучения. Он учился у известных, более старых художников в известных школах, таких как Академия Джулиана и Эколь-де-Бо-Арт. В этих школах преподавание шло в соответствии с «академическим методом», который требовал работы с живыми моделями и копирования произведений старых мастеров, но Матисс также подвергся воздействию недавней пост -импрессионистской работы Поля Сезанна и Винсента ван Гога, живя в Париже.
Матисс начал выставлять свои работы в крупных групповых выставках в Париже в середине 1890-х годов, в том числе и в традиционном Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts общества изящных искусств, и его работы получали благосклонное внимание. Он ездил в Лондон и на Корсику, а в 1898 году он женился на Amélie Parayre, с которой у него будет трое детей.
К концу 20-го века Матисс подпадает под более прогрессивное влияние Жоржа Сёрата и Пола Сигнака, которые рисовали в стиле «Pointillist» небольшими точками цвета, а не мазками. Он перестал выставляться в официальном Салоне и начал представлять свое искусство в более прогрессивном Salon des Indépendants в 1901 году. В 1904 году состоялась его первая персональная выставка в галерее дилера Амбруаза Воллара.
Матисс сделал большой творческий прорыв в 1904-05 годах. Посещение Сен-Тропе на юге Франции вдохновило его на яркие краски, светло-пестрые полотна, такие как Luxe, calme др volupte (1904-05 гг.), а летом в средиземноморской деревне Collioure были созданы его основные работы «Открытое окно» и «Женщина в Шляпе» в 1905 году. Он выставил обе картины в выставочном салоне 1905 д'Отон в Париже. В обзоре выставки современник-искусствовед упомянул смелые, искаженные образы, написанные некоторыми художниками, которых он прозвал «fauves», или «дикие звери».
Живопись в стиле, который стал известен как Фовизм Матисс продолжал подчеркивать эмоциональную силу извилистых линий, сильную кисть и кислотно-яркие цвета в таком произведении, как «Радость жизни», больше стало женской обнаженной натуры на фоне пейзажа. Как и многие из зрелых работ Матисса, эти сцены захватывали настроение, а не просто пыталась изобразить мир реалистично. /p>
В первое десятилетие 20 века, Матисс создал также скульптуры и рисунки, которые иногда были связаны с его картинами, всегда повторяя и упрощая формы их сути.
Найдя свой стиль, Матисс пользовался большим успехом. Он был в состоянии путешествовать в Италию, Германию, Испанию и Северную Африку для вдохновения. Он купил большую квартиру-студию в пригороде Парижа и подписал контракт с престижной галереей арт-дилеров Бернхейм-жен в Париже. Его искусство было приобретено известными коллекционерами, такими как Гертруда Стайн в Париже и российским бизнесменом Сергеем Ивановичем Щукиным, который заказал важную пару картин Матисса "Танец", "Я и музыка" в 1909-10.
В своих работах 1910-е и 1920-е годы, Матисс продолжал восхищать и удивлять своих зрителей своими сигнальными элементами насыщенных цветов, сглаженным живописным пространством, ограниченными деталями и сильными очертаниями. Некоторые работы, такие как «Урок фортепьяно» (1916), исследовали структуры геометрии и кубизма, движения, начатого пожилым соперником Матисса Пабло Пикассо. Тем не менее, несмотря на его радикальный подход к цвету и форме, сюжеты Матисса часто были традиционными: сцены его собственной студии (в том числе «Красная студия» 1911 года), портреты друзей и семьи, аранжировки фигур в комнатах или пейзажах.
В 1917 году Матисс стал проводить зимы на Средиземном море, и в 1921 году он переехал в город Ницца на Лазурном берегу. Из 1918-30, он часто рисовал обнаженных женщин в тщательно продуманных условиях своей студии, используя теплый свет и узорные фоны. В эти годы он также много работал в области печати.
Первая научная книга о Матиссе была опубликована в 1920 г., отмечая его значение в истории современного искусства.
В своей более поздней карьере, Матисс получил несколько крупных заказов, таких как роспись для арт-галереи коллекционера д-ра Альберта Барнса из Пенсильвании под названием Dance II в 1931-33 гг..Он также рисовал книжные иллюстрации для серии сборников стихов с ограниченным тиражом.
После операции в 1941 году Матисс был прикован к постели, однако, он продолжал работать не вставая с кровати в своей студии. При необходимости, он рисовал карандашом или углем, прикрепленным к концу длинного шеста, что позволило ему достать бумагу или холст. Его поздняя работа была так же экспериментальной и яркой, как и его ранние художественные прорывы. Он сделал серию иллюстраций к книге "Джаз" 1947 года, в которой были выражены его собственные мысли о жизни и искусстве бок о бок с живыми изображениями вырезаными из цветной бумаги. Этот проект привел его к разработке произведений, которые были вырезаными сами по себе, в первую очередь несколько рядов выразительно сформированных человеческих фигур, вырезанных из яркой синей бумаги и прикрепленных к стенам, на стенах (например, плавательного бассейна, 1952 г.).
В одном из своих последних проектов, Матисс создал целую программу украшений для часовни Розария в Вансе (1948-51 гг.), это городок недалеко от Ниццы, проектируя витражи, фрески, обложки и даже священные одежды для священной церкви.
Матисс умер 3 ноября 1954 года, в возрасте 84 года, в Ницце. Он был похоронен в соседнем Симье. Он до сих пор считается одним из самых инновационных и влиятельных художников 20-го века.
Алина 2018-06-10 14:05:00 биографии художников
Винсент Виллем Ван Гог (30 марта 1853 - 29 июля 1890 года) был пост-импрессионистским художником, чьи работы, отличаются красотой, эмоциями и цветом, они оказали большое влияние на искусство 20-го века. Он боролся с психическим заболеванием, и оставался бедным и практически неизвестным на протяжении всей своей жизни. Ван Гог умер во Франции в возрасте 37 лет от нанесенного самому себе огнестрельного ранения.
Винсент Ван Гог завершил более 2100 произведений, состоящих из 860 картин маслом и более 1300 акварелей, рисунков и набросков. Некоторые из его картин сейчас являются одними из самых дорогих в мире. "Ирисы" проданы за рекордные $53,9 млн., и его "Портрет доктора Гаше" была продан за 82.5 млн. долл. Некоторые из самых известных произведений Ван Гога включают:
Ван Гог написал "Звездную ночь" в убежище, где он остановился в Сен-Реми, Франция, в 1889 году, за год до его смерти. “Сегодня утром, я длительное время смотрел на сельскую местность из моего окна ,задолго до восхода солнца, с единственной утренней звездой, казавшейся очень большой”, - писал он своему брату Тео. Сочетание воображения, памяти, эмоций и наблюдений, картина маслом на холсте изображает выразительное закрученное ночное небо и спящую деревню с большим пламенным кипарисом, который, как полагают, представляет собой мост между жизнью и смертью, вырисовывающийся на переднем плане. Картина в настоящее время размещается в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
Ван Гог написал две серии подсолнухов в Арле, Франция: четыре между августом и сентябрем 1888 году и одну в январе 1889 г.; версии и копии не обсуждаются среди историков искусства. Картины маслом на холсте, на которых изображены увядающие желтые подсолнухи в вазе, сейчас выставлены в музеях в Лондоне, Амстердаме, Токио, Мюнхене и Филадельфии.
В течение 10 лет, Ван Гог создал более 43-х автопортретов, как картин так и рисунков. "Я ищу более глубокое сходство, чем полученная фотография", - писал он своей сестре. "Люди говорят, и я охотно верю, что трудно познать себя. Но это не легче, чем нарисовать себя. Портреты кисти Рембрандта более, чем взгляд на природу, они больше похожи на откровения,” писал он позже брату. Сейчас работы выставлены в музеях по всему миру, в том числе в Вашингтоне, округ Колумбия, Париже, Нью-Йорке и Амстердаме.
Утром 27 июля 1890 года Винсент Ван Гог отправился на пленер, он носил с собой заряженный пистолет и выстрелил себе в грудь, но пуля не убила его. Он был найден кровоточащим в своей комнате. Ван Гог был обеспокоен своим будущим, ведь в мае этого года, его посетил брат, Тео и говорил с ним о необходимости быть строже со своими финансами. Ван Гог решил, что Тео больше не заинтересован в продаже его картин.
Ван Гог был доставлен в ближайшую больницу, врачи известили Тео, он вскоре приехал и обнаружил своего брата сидящим в постели и курящим трубку. Они провели следующие пару дней общаясь, а потом Ван Гог попросил Тео, чтобы тот забрал его домой. 29 июля 1890 года Винсент Ван Гог умер в объятиях своего брата. Ему было 37 лет.
Винсент Виллем Ван Гог родился 30 марта 1853 года в Грот-Зюндерт, Нидерланды.
Отец Винсента Ван Гога, Теодор Ван Гог, был пастор реформатской церкви, а его мать, Анна Корнелия Карбентус, была капризным художником, чья любовь к природе, рисунку и акварели были переданы сыну. Ван Гог родился ровно через год после первого сына родителей, также названного Винсентом, который родился мертвым. В молодом возрасте, то что его имя и дата рождения уже выгравированы на надгробии его брата — печалило Ван Гога. Ван Гог старший из шести детей, у него было два младших брата (Тео, который работал в качестве арт-дилера и поддерживал искусство своего старшего брата и Кор) и три младших сестры (Анна, Елизавета и Виллемиен ).
Когда Ван Гогу было 15 лет, семья испытывала финансовые трудности, и он был вынужден оставить школу и пойти работать. Он устроился на работу арт-дилером у дяди Корнелиса, "Goupil & Cie", фирма арт-дилеров в Гааге. К этому времени Ван Гог свободно владел французским, немецким и английским языками, а также своим родным голландским.
В июне 1873 года, Ван Гог был переведен в Groupil галерею в Лондоне. Там он влюбился в английскую культуру. Он посещал художественные галереи в свободное время, а также стал поклонником сочинений Чарльза Диккенса и Джорджа Элиота. Он также влюбился в дочь своей квартирной хозяйки, Эжени Лойер. Когда она отклонила его предложение о браке, у Ван Гога случился нервный срыв. Он выбросил все свои книги, кроме Библии, и посвятил свою жизнь Богу. Он рассердился на людей, стал убеждать клиентов не покупать "негожее искусство", и в итоге был уволен.
Затем Ван Гог преподавал в Методистской мужской школе, а также проповедовал на собрании. Хотя и воспитанный в религиозной семье, он не был религиозным до этого времени, и только сейчас он всерьез начал рассматривать посвящение своей жизни церкви. В надежде стать пастором, он готовился к вступительному экзамену в школу теологии в Амстердаме. После года прилежной учебы, он отказался сдавать экзамены латинского, называя латынь "мертвым языком" бедных людей, за что был впоследствии лишен дальнейшего обучения.
То же самое происходило в церкви Бельгии: зимой 1878 года, Ван Гог добровольно решил переехать на обедненную угольную шахту на юге Бельгии, куда проповедники обычно отправлялись в качестве наказания. Он проповедовал и служил больным, а также рисовал портреты шахтеров и их семей, которые называли его "Христос в угольных шахтах". Евангелические комитеты не были довольны. Они не соглашались с образом жизни Ван Гога, который начал принимать тон мученичества. Они отказались продлевать контракт Ван Гога, и он был вынужден искать другое занятие.
Ван Гог был несчастен в любви. Он жалел женщин в беде, думая, что он мог бы им помочь. Когда он влюбился в свою недавно овдовевшая кузину, Кейт, она ему отказала и бежала домой в Амстердам. Тогда Ван Гог переезжает в Гаагу и влюбляется в Класину Марию Хоорник, алкоголичку и проститутку. Она стала его спутницей, любовницей и моделью.
Когда Хоорник вернулась к проституции, Ван Гог стал совершенно подавленным. В 1882 году, его семья угрожала лишить его денег, если он не покинет Хоорник в Гааге. Ван Гог уехал в середине сентября этого года в Дренте, несколько пустынный район в Голландии. В течение следующих шести недель, он вел кочевой образ жизни, перемещаясь по всей области, все время рисуя и рисуя пейзажи и людей.
Осенью 1880 года Ван Гог решил переехать в Брюссель и стать художником. Хотя он не имел формального художественного обучения, его брат Тео предложил поддержать Ван Гога финансово. Он начал брать уроки самостоятельно, изучая такие книги, как «Travaux des champs» Жана-Франсуа Милле и Cours de dessin от Charles Bargue.
Искусство Ван Гога помогало ему оставаться эмоционально уравновешенным. В 1885 году он начал работать над тем, что считается его первым шедевром, "Едоки картофеля". Его брат, Тео, к тому времени живущий в Париже, считал, что картина не будет хорошо принята во французской столице, где импрессионизм стал трендом. Тем не менее, Ван Гог решил переехать в Париж,и появился в доме Тео без приглашения. В марте 1886 года Тео приветствовал брата, в своей маленькой квартире.
В Париже, Ван Гог впервые увидел импрессионистов, и он был вдохновлен цветом и светом. Он начал заниматься с Анри де Тулуз-Лотреком, Камилем Писсарро и другими. Чтобы сэкономить деньги, он и его друзья позировали друг другу вместо того, чтобы нанимать моделей. Ван Гог был страстным, и он спорил с другими художниками об их работах, отчуждая тех, кто устал от пререканий с ним.
Ван Гог подвергся влиянию японского искусства и начал изучать восточную философию, чтобы улучшить свое искусство и жизнь. Он мечтал о поездке туда, и Тулуз-Лотрек сказал, что свет в деревне Арле похож на свет в Японии. В феврале 1888 года Ван Гог сел на поезд на юг Франции. Он поселился в "желтом доме" потратив свои деньги на краску, а не на еду.
В декабре 1888 года Ван Гог жил питаясь кофе, хлебом и абсентом ощущая себя больным и странным. Вскоре стало очевидно, что в дополнение к страданиям от физического заболевания, его психологическое здоровье снижается. Примерно в это время, он, как известно, хлебал скипидар и заедал краской.
Его брат Тео был обеспокоен, и он предложил Поль Гогену деньги, чтобы тот присматривал за Винсентом в Арле. В течение месяца Ван Гог и Гоген все время ругались, и однажды ночью, Гоген вышел. Ван Гог следовал за ним, и когда Гоген обернулся, он увидел Ван Гога, держащим бритву в руке. Несколько часов спустя, Ван Гог отправился в местный бордель и заплатил проститутке по имени Рашель. Залитыми кровью руками, он предложил ей свое ухо, прося, чтобы она "бережно сохранила его".
Полиция нашла Ван Гога в своей комнате на следующее утро, и проводила его в больницу Отель-Дье. Тео приехал на Рождество и увидел Ван Гога слабым от потери крови. Доктора заверили Тео, что его брат будет жить, и о нем позаботятся, 7 января 1889 года ван Гог был выписан из больницы. Он был один и подавлен. Для поддержания духа, он обратился к живописи и природе, но не мог найти покоя и снова был госпитализирован. Он раскрасил желтый дом в течение дня и вернулся в больницу ночью.
Ван Гог решил переехать в Сен-Поль-де-мозоль приют в Сен-Реми-де-Прованс, после того, как народ Арля подписал петицию, заявив, что он опасен. 8 мая 1889 года, он начал писать в больничном саду. В ноябре 1889 года, он был приглашен выставлять свои картины в Брюсселе. Он послал шесть картин, в том числе "Ирисы" и "Звездная ночь".
31 января 1890, у Тео и его жены, Джоанны, родился мальчик и назвали его в честь Ван Гога. Примерно в это время Тео продал картину Ван Гога "Красные виноградники" за 400 франков. Также примерно в это время Доктор Поль Гаше, который жил в Оверсе, примерно в 20 милях к северу от Парижа, согласился лечить Ван Гога. Ван Гог переехал в Оверс и арендовал комнату. В июле этого года, Винсент Ван Гог покончил с собой.
Тео, который страдал от сифилиса и был ослаблен смертью брата умер через шесть месяцев после него в голландском приюте. Он был похоронен в Утрехте, но в 1914 году жена Тео, Иоганна, которая являлась убежденным сторонником работ Ван Гога, перезахоронила тело Тео на кладбище Овер-Сюр-Уаз рядом с Винсентом.
Жена Тео Джоанна собрала столько картин Ван Гога, скольло она смогла, она обнаружила, что многие работы были уничтожены или утеряны, собственная мать Ван Гога выбросила ящики, полные его картин. 17 марта 1901 года, 71 картина Ван Гога были представлены на выставке в Париже, и его известность впоследствии выросла неимоверно. Его мать прожила достаточно долго, чтобы увидеть своего сына оцененным как художника и гения. Сегодня, Винсент Ван Гог считается величайшим голландским художником после Рембрандта.
В 1973 году музей Ван Гога открыл свои двери в Амстердаме, это событие сделало работы Винсента Ван Гога доступными для публики. В музее находится более 200 картин Ван Гога, 500 рисунков и 750 письменных документов, включая письма к брату Винсента Тео .Там можно увидеть автопортреты, “Едоки картофеля”, “Спальня” и “Подсолнухи”.
В сентябре 2013 года музей открыл и обнародовал пейзаж Ван Гога под названием «Закат на Монмаджур». Прежде чем попасть в Музей Ван Гога, картиной владел норвежский промышленник и хранил ее на чердаке, считая, что это не подлинник. Картина, как полагают, была созданы Ван Гогом в 1888 году — примерно в то же время, что и "Подсолнухи" и была сделана всего за два года до его смерти.
.
